解读丨装置艺术的发展史

自从1910年马塞尔·杜尚(Marcel Duchamp,1887-1968)在一件现成的男用小便器上签名并将其送到蓬皮杜中心以来,这件划时代的艺术品就从现成的产品演变而来。 后来出现的装置艺术开始从难以理解、不被注意的边缘艺术风格走向当今艺术界的主流领域。 当装置艺术正在席卷国外拍卖场并超越传统架上艺术进入国内时,我们突然发现,早在20世纪80年代中期,中国的一些前卫艺术家就已经掀起了这股热潮。 引进去,虽然一波三折,却从未断绝。

 

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装置艺术解读

装置艺术是翻译自英文“装置艺术”。 它本身就是一个建筑术语,后来被应用到戏剧领域。 一般指舞台布景及其可拼贴、排列、移动、拆卸的部分。 本世纪初,这个术语被引入当代艺术,用来描述与传统艺术形式完全不同的作品。 同时,装置艺术也被称为“环境艺术”。 它与20世纪60年代、1970年代的“波普艺术”、“极简主义”、“观念艺术”等有一定的联系。

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▲ 大卷真司,《临界空气——时间与空间》,2018

从20世纪60年代兴起至今,装置艺术并没有像其他现代艺术形式那样突然兴起和消失。 它在世人的评判、困惑和赞扬中,在艺术理论家和批评家的分歧中不断发展,跨越了现代主义和后现代主义两大时代,历久不衰。 在我们的传统观念中,现代艺术往往以一种凌驾于众生之上的形象和态度来俯视观者,而艺术家则以牧师的态度和语气来指导观众,以一种超然的意识来处理作品和关系。大师。 现实之间的关系。 杜尚的作品《喷泉》开始公开攻击和嘲笑旧的艺术权威和信条。 在这种放弃独特意义的绝对权威的倡导下,理解上的包容性和多元性得到了更多的肯定。 在这一理论的指导下,装置艺术更多地表达了自己对艺术与生活、艺术感受与现实世界、艺术家与作品之间界限的拷问和超越。 这种表达最重要的方面是通过对现成品的“错位”处理来实现对生活形象的超越。 正是通过这样的处理,现成产品的原本含义从清晰变得模糊。 由此,我们认知的长期经验限制被打破,使我们超越对作品的简单接受和理解,进入主动参与和更多元化的理解。 可以说,在这一过程中,观众逐渐从对传统架上艺术静态、单向的认识转向亲身体验艺术,并与艺术本身和现实社会进行对话和交流。

对于这一点的理解,美国艺术评论家安东尼·约翰逊是这样解释的:按照结构主义艺术家的观点,世界就是“文本”(text),而装置艺术可以看作是这一理念的完美宣言。 然而,即使是创作该装置的艺术家也无法完全掌握该装置的形象。 因此,“读者”可以根据自己的理解自由解读。 装置艺术家创造了另一个既陌生又熟悉的世界,让观众无法自己找到理解的方式。 装置所营造的新奇环境也引发了观众的记忆,产生了一种以记忆形式存在的体验。 观众借助自己的理解进一步强化了这种体验。 结果是,“文本”的书写是由观众来帮助的,就装置本身而言,它们只是容器,可以容纳“作者”和“读者”想要放入的任何内容。因此,装置艺术可以作为最便捷的媒介,用来表达社会、政治或个人内容。

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▲盐田千春的《超越时间装置》

装置的出现挑战了传统的艺术分类。 每个时期的艺术分类都是特定社会历史状态的产物。 就像19世纪的时候,艺术家们会尝试用各种方式对艺术进行分类,比如空间艺术和时间艺术、具象艺术和非具象艺术等等。人们不断探索艺术的本质以及各个艺术门类之间的关系从新的角度。 然而,现当代艺术的发展打破了此前大多数人所认知的传统尺度和界限。 装置艺术自由地运用各种艺术手段。 它表明人类表达思想的艺术方式可以是非机械的。 定义的。 在这个时代,艺术表现的手段和材料空前琳琅满目,规则的、图案化的框架开始不知所措。 多种艺术形式的无限制综合运用是现代艺术追求表现广度、深度和强度的必然产物。 装置艺术就是这一趋势的最大体现。

另一方面,装置艺术也利用其“平民化”的特性,在废弃的工厂、简陋的仓库、空荡荡的广场上,向更多普通人展示了多样化艺术表达的可能性。 这实际上意味着艺术的大众化。 它告诉公众,艺术不仅存在于美术馆、画廊等各种艺术机构中,也可以走进生活。 例如,有的户外装置以声音雕塑组合的形式出现,有的被建成奇异的花园,有的像梦幻世界中的建筑,有的用来装饰建筑物的外墙,真正成为人们可以观赏的地方、游泳、坐着、躺着。 生活环境。

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装置艺术的特点

1、装置艺术首先是一个让观众置身其中的三维“环境”。 这个“环境”包括室内和室外,但主要是室内。

2、装置艺术是艺术家根据特定展览地点的室内外场地和空间,专门设计、创作的艺术体。

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3. 就像电影院里不能同时放映两部电影一样,装置的完整性需要相应的独立空间,在视觉和听觉上不受其他作品的影响和干扰。

4、观众介入和参与是装置艺术的一个组成部分。 装置艺术是人们生活体验的延伸。

5、装置艺术所营造的环境是为了容纳观众,促使甚至迫使观众在限定的空间内从被动观看转变为主动感受。 这种感觉需要观众除了主动思维和身体干预之外,动用所有的感官:包括视觉、听觉、触觉、嗅觉,甚至味觉。

6、装置艺术不受艺术门类的限制。 它自由、综合地运用绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、电影、电视、音频、录像、摄影等任何可以利用的手段。可以说,装置艺术是一种开放的艺术方法。

7、为了激活观众,有时甚至扰乱观众的习惯性思维,往往会夸大、强化或疏远刺激感官的因素。

8、一般来说,装置艺术是为了短期展览,而不是为了收藏。

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▲草间弥生,《无限镜室:永远消失的后果》,2009

9、装置艺术是多变的艺术。 艺术家可以在展览期间改变构图,也可以在异地举办展览时增加、减少或重新排列构图。

当然,装置艺术本身也在发生变化。 例如,当代装置艺术不再是对传统博物馆展览的反叛。 相反,它成了博物馆的宠儿。 原本旨在反对博物馆永久收藏的“环境艺术”(即装置艺术)也得到了“容纳”,进入了博物馆永久收藏清单。 以圣地亚哥当代艺术博物馆为例。 举办的67个装置艺术展中,有58个被博物馆收购并成为永久收藏。

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装置艺术的兴起

对于装置艺术的起源,西方艺术评论家有着自己的看法,例如:

装置艺术可以追溯到法国拉斯科的原始洞穴壁画。 装置艺术是人类古老文化传统在当代艺术中的遥远回响。 因为最初的艺术家创造的并不是一件独立的、可移动的艺术品,而是一个体现某种宗教或巫术的环境。 因此,各种宗教寺庙、教堂也可以说是装置艺术的前身。

——美国艺术评论家休·M·戴维斯

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▲谷文达《联合国系列》

装置艺术的起源可以追溯到19世纪末的一位法国邮递员。 他用了20多年的业余时间,用水泥、石头、贝壳,亲手建造了这座光怪陆离的“理想宫”。 他创造特定的环境,意图宣示自己的人生观。

——英国评论家尼古拉斯《装置艺术》

装置艺术中具体表现的出现直到20世纪初才真正开始。 1923年,德国艺术家坎特·施维特(Kanter Schwitter)将表现主义雕塑与建筑内部空间的不逻辑性相结合,创作出具有运动感和威胁感的空间环境作品《梅尔茨柱》。 这件作品可以说是一件装置艺术。 的前身。 1938年,在巴黎举办“超现实主义”画展。 在展厅的天花板上,观众可以看到装着煤炭的布袋,环境中还运用了音乐和气味。 1942年,在美国纽约一个名为“国际超现实主义展览”的展厅里,凌乱、纠缠的白色绳索在天花板和展架之间构建了一个像蜘蛛网一样的恐怖空间。 同时画家用舞台布景般的手法营造出具有心理暗示效果的环境,让观众感受到绘画与环境的密不可分。 本次展览的作品实际上是装置艺术。

如果按照装置艺术早期的定义来解读,法国艺术家克莱因1958年在巴黎克莱因画廊创作的《虚空》堪称早期装置艺术的代表作品。 1959年,艺术家阿尔曼在同一展厅创作了《浓缩》。 这一时期,艺术家开始模仿当代人自我毁灭环境的困境,装置艺术逐渐融入观念色彩。 直到20世纪60年代,西方年轻一代的反叛精神从政治延伸到艺术。 在艺术家打破了绘画、雕塑、建筑、音乐、诗歌等艺术形式之间人为的区别之后,更多的人开始利用一切他们能想象和使用的艺术手段和材料来表达自己。 在这样的大环境下,装置艺术作为一个艺术门类就形成了。

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▲Arman的装置作品

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装置艺术游行

20世纪60年代/

自从装置艺术取消了艺术的分类,成为已知艺术门类的开放使用以来,20世纪60年代的装置艺术家对现有美术馆的建筑空间产生了浓厚的兴趣。 例如,卢卡斯·萨马拉斯1966年的作品《镜子之家》在内部使用了玻璃镜子; 迈克 1969 年的“白宫”利用色彩、光线和声音在空间中创造出特定的效果。 正如评论家奥多赫特所说,美术馆不再是一个被动的装满艺术品的容器。 相反,它的整个空间已经成为一种意识形态的宣言。

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▲卢卡斯《镜之屋》

这一时期,艺术家们研究和实验了各种光源对人类心理的影响,用心理空间代替了实用的、物理的建筑空间。 与此同时,装置艺术开始与影像技术紧密结合,使得投影视频等元素进入装置艺术的创作。 由于当时波普艺术、偶然艺术和行为艺术的影响,20世纪60年代的装置艺术家试图消除生活与艺术之间的界限。 例如,Tom 1963 年的《浴缸 No. 3》复制了家庭浴室的一角; 奥尔登堡 1963 年的“卧室整合”是一个完整的客厅。 艺术家利用所创造的环境来模仿当代人、模仿当代人、模仿生活,为观众提供了当代社会生活的多重视角。

20世纪70年代/

20世纪70年代初,装置艺术家开始攻击美术馆等艺术领域的传统和权威。 他们利用废弃工厂、简易仓库、街道两旁、走廊角落作为装置艺术的展示场地。 于是,装置艺术成为了对传统美术馆的抗议手段。 同时,装置艺术也反对美术馆的收藏功能,否定艺术品的永恒性,从而增加了艺术展览的场地和空间,加快了艺术品的流通,使许多人创作的作品数量空前增加。艺术家。 艺术作品与观众见面的机会。

20世纪70年代,装置艺术开始出现在具有强烈社会意义和明显政治倾向的作品中。 艺术家的批判锋芒直指社会弊病。 Kinghorse的《国立医院》等一系列装置作品呈现出一种近乎残酷的平静来表达当代人的孤独。 女权运动的主题也成为装置艺术的热门话题。 这一主题的作品有玛丽贝斯的《恶魔之门》、芝加哥的《晚宴派对》等。尤其是《晚宴派对》之后,艺术家开始以群体参与的形式进行装置创作,使其成为一种特殊的社会活动。

这一时期的装置艺术家开始尝试将电影、电视和录像融入到他们的作品中。 这些新的视觉艺术方法的使用可以更好地探索传统视觉艺术方法无法到达的领域。 如不同的时间和空间观念、不同的时间和空间对人的心理影响、人与环境的相互影响等。

20世纪80年代/

20世纪80年代装置艺术的显着特点是电视和录像的使用更加广泛,涉及的题材不断扩大。 例如,建筑师罗贝1984年的“视频走廊”,用灯光将长方形的墙壁变成了类似电视屏幕的发光体; Toros 1986 年的《突如其来的孤独》利用电视录像来展现战争和人类暴行。 除此之外,装置艺术还代表着环境保护。 例如,大卫·爱尔兰于1983年开始修复贫民窟一座破旧的19世纪建筑,并以这座建筑作为他的装置艺术基地,创作并展出了许多装置作品。 现在,这座建筑已成为旧金山卡帕街装置艺术中心的一部分。 另一位艺术家Terry Guetang将底特律黑人区整条街道上的废弃房屋做成了“海德堡装置”,该装置从1986年开始,至今仍在继续。

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▲白南准,《包裹的世界》,1988

20世纪90年代/

20世纪90年代,西方装置艺术题材更加广泛,涉及当代人生活和思想的许多方面,特别是当代人关心的热点话题,如环境保护、世界和平、多元文化、种族冲突等。这一时期,欧美少数民族艺术家,包括移民艺术家、黑人艺术家、棕色人种艺术家的装置艺术普遍具有鲜明的民族文化特征,为白人主导的艺术世界增添了奇异的色彩。 同时,由于这些艺术家遭受种族歧视,他们的许多作品都类似悲惨而愤怒的呼喊。 此外,旅居纽约的中国装置艺术家谷文达、徐冰、蔡国强也因在装置中运用中国文化符号,创作出具有强烈视觉冲击力和深刻内涵的作品,成为西方当代艺术中引人注目的人物。

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▲徐冰的《天书》

20世纪90年代的装置艺术家并不满足于像20世纪60年代那样利用展厅现成的空间,利用光线来营造建筑内部空间的错觉。 相反,他们“翻新”了内部空间或者干脆建造了一座新建筑。 例如,1993年美国Acconci在维也纳的装置作品《重建马可中心展览馆》就是对翻新后的展览馆的复制品,并进行了彻底的改造。 捷克艺术家杰特洛娃1992年至1994年在维也纳、华沙、柏林等地创作的大型室内装置《金塔的驯化》再现了类似古罗马城庞贝被火山灰毁灭的悲惨景象。

21世纪初/

进入新世纪,随着当代艺术的快速发展,装置艺术变得更加前卫、实验、概念甚至荒诞,并逐渐取代了统治艺术领域数百年的架上艺术。 ,成为越来越多艺术家的主要创作手段。 世界各大艺术院校都开设了装置艺术课程。 在英国,哈德斯菲尔德大学已经拥有装置艺术专业学士学位; 在美国,很多艺术院校毕业的硕士生都成为了装置艺术家,如缅因美术学院2000年的10个硕士学位,其中9个学生的毕业展览都是装置作品。 装置艺术在西方当代艺术博物馆的展览中也占有非常重要的地位,许多装置作品被博物馆收购并成为永久收藏。 尽管装置艺术仍然与其他艺术门类保持着亲和力,但它已经成为一个新事物。 它的开放性、自由性和模糊性决定了我们只能在它的运动、发展和变化中理解它。 它,研究它。 它可以体现人类艺术活动的本质,即满足人类的精神需求,满足人类表达和交流的基本需要,并作为人类自我探索的手段。

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▲埃利亚松的《天气计划》

实习编辑:邱宇

制作人:春雷